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Luci e ombre

date » 25-03-2018 20:59

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Magnifico bianco e nero, prospettiva, luci ed ombre, si rimane incantati dal luogo, dagli elementi che lo costituiscono, dalla scala da cui si attende che scena o salga qualcuno da un momento all'altro, sei riuscito a cogliere l'alchimia perfetta tra luce e geometrie, tra quei volumi esterni ed interni della casa che possiamo immaginare, grazie al tuo sguardo attento ed alla tua maestria indiscussa nel cogliere l'anima di un luogo.
(Paola Palmaroli)

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Serata tra amici

date » 21-02-2018 19:43

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Quante volte leggendo Simenon," Maigret", mi sono imbattuta in scene come questa da te fotografata. Non sarà la provincia francese ma l'atmosfera è davvero sorprendente per affinità e per quel senso inquietante che sprigiona nelle descrizioni di Simenon. Solo la figura umana rassicura, il suo incedere lento, la luce del lampione, la strada risuona dei suoi passi, di quelle vibrazioni che il tuo superbo bianco e nero Ivano Mercanzin ha reso così reali da restare a guardare se è possible scorgere qualcuno giungere o seguire fino a quando scomparirà la figura da te ritratta. La casa con le finestre nere come pece, abbandonata si presume e quell'entrata che incute un sacro timore, tutto nella tua visione ha una potenza narrativa senza pari. Bellissimo il taglio da te scelto che ci porta a vedere quell'angolo a sinistra dove la strada ha una curvatura, ogni dettaglio non è lasciato al caso e si beve con gli occhi l'atmosfera che hai saputo fondere in questa fotografia incantati ed ipnotizzati.
(Paola Paola Palmaroli)

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INTERVISTA: WITNESS JOURNAL - settembre 2017

date » 01-10-2017 00:12

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Raccontare il silenzio: intervista a Ivano Mercanzin
settembre 27, 2017
di Cristiano Capuano

Ciao Ivano. Cominciamo con qualche battuta su “Coney Island”, affascinante progetto che ha indubbiamente segnato gli ultimi due anni della tua carriera. Ciò che risalta maggiormente dalle foto di questa serie è la ricerca di una sorta di “segno opposto”, un capovolgimento dei motivi tradizionali che hanno costruito l’iconografia di uno dei luoghi simbolo di New York. Siamo a Brooklyn, dunque al cospetto di una geografia sociale assolutamente pop, in quanto trasversalmente e ampiamente rappresentata dall’arte, dal cinema e dalla letteratura. Da dove nasce l’impulso alla sovversione di quest’ordine semantico che risulta in un ritratto più intimo, nebbioso e malinconico di Coney Island?

E’ stato un caso, come sempre finora accade ai progetti che ho realizzato: parto con nulla in mente e poi m’immergo nella realtà del luogo dove sono, cerco di sentirne i profumi, gli odori, i colori, i silenzi, i suoni; cerco di fiutare l’aria, lasciando libere le mie emozioni. Il corpo e la mente si predispongono ad assorbire, fino a sentire a volte una scarica di adrenalina che mi fa prendere in mano la macchina fotografica. Allora inizio a scattare, a fissare, a fermare gli attimi, a congelarli, o meglio a riscaldarli, diventando tutt’uno con l’apparecchio, quasi fosse un naturale prolungamento della mia anima, del mio cuore, delle mie emozioni.
Ero per caso a Coney Island senza alcuna programmazione o preparazione e mi sono ritrovato in un mondo surreale, come all’interno di una favola o in un quadro di Chagall in bianco e nero con mille sfumature di grigio. Sono proprio le sfumature, a volte, a raccontare di più dei troppo pieni, quei delicati sbuffi di non colore che sembrano poesia. E’ per questo che amo narrare del poco, del quasi nulla, quello che non si coglie a prima vista, ciò che non è urlato ma impercettibilmente sottotono; quello che solo se si ha il tempo e la lentezza di aspettare si riesce a cogliere e quando lo si vede diventa un tutt’uno con noi stessi, osservatori sconosciuti, e per un attimo senza tempo si sta insieme, provando la stessa emozione, entrando in empatia. E’ lì che il mio racconto si compie, la mia storia assume un senso, e la gioia non ha limiti .

Parlando di questa serie, hai espresso il desiderio di “raccontare il silenzio”. Trovo sia un’espressione abbastanza calzante dal momento che le tue foto trattano con delicatezza la complessità dei vuoti e delle assenze. Non si tratta, però di una vacuità orrorifica, bensì di una catarsi invernale che libera dei luoghi ricreativi dall’asfissia dell’elemento umano. Quale ruolo giocano i soggetti anonimi ritratti in lontananza su spiagge e pontili, caffè luna park della tua Coney Island?

Raccontare il silenzio, è una definizione di un sensibile osservatore a una mia mostra; ascoltandola allora mi ha fatto pensare e mi ha spinto a osservare con più attenzione le mie foto. Era proprio vero. Le prospettive che allontanano lo sguardo, le strutture metalliche verticali che si perdono nella nebbia, le figure solitarie che passeggiano nella battigia con lo sguardo a terra, mentre il mare e la sabbia le incorniciano: tutto ciò richiama il silenzio, quell’assenza di rumore se non quello del mare che sciaborda, naturale suono che culla la mente e accompagna i pensieri , lasciandoli fluire senza interruzione, finalmente liberi di ondivagare liberamente. Ecco quindi che i vuoti o le assenze non sono dolorose, ma benefiche: è cercare di ritrovarsi e parlarsi e soprattutto ascoltarsi, entrando in perfetta sintonia con se stessi. Le figure solitarie sono elementi indispensabili nel mio racconto: perse nei loro pensieri, perfettamente amalgamate con l’ambiente intorno, in pace con loro stessi, attori ignari delle mie storie; persone che si allontanano, e che non voglio avvicinare, per rispetto, per discrezione, per riservatezza, per non disturbarli nel loro pensare. Divengo spettatore della loro esistenza, e siamo accomunati dall’attimo, dal breve spazio-tempo. Quello è l’istante che viene fissato dallo scatto, divenendo eterno, e da lì inizia la storia.

Se la memoria non mi inganna, questo progetto è nato nel dicembre del 2015 mentre ti trovavi a New York per esporre alcuni tuoi precedenti lavori aventi la città di Venezia come soggetto principale. I tuoi notturni veneziani sono parimenti evocativi di un’atmosfera metafisica e spettrale, e nascono in un contesto segnato – proprio come Coney Island – da una forte presenza umana (in questo caso di natura turistica), disinnescata, però, dalla solitudine della notte. Credi che esista una corrispondenza diretta tra le due serie?

Su invito di un amico ho esposto nel suo negozio che si trova in Madison Avenue vicino al Central Park. Provavo una strana sensazione nel vedere le mie foto in bianco e nero di Venezia che contrastavano con il caos della Grande Mela. Le foto erano affreschi notturni scattati in alcune notti invernali. La città era magica, con i lampioni tenui, il vapore del mare, l’odore di salmastro, i campi, le calli, i ponti e le persone che sembravano perdersi nella notte, assorbite dal buio come in un’atmosfera metafisica e spettrale, il ticchettio delle scarpe a fare da colonna sonora. Pensavo alla frenesia del giorno, così contrastante con il silenzio della notte e l’assenza pressoché totale di persone se non qualche coraggioso abitante notturno. Così come Coney Island, nell’estate un turbinio di colori che si trasforma in inverno in un villaggio solitario, come a reimpossessarsi del suo stato primigenio in cui la natura sembra prendere il sopravvento sull’intervento dell’uomo.

Nell’esporre le foto di Coney Island, hai idealmente separato quelle più “frontali” dei boardwalk (che ritraggono il luna park e gli esercizi commerciali) da quelle in cui a dominare è una profondità di campo che proietta lo spettatore nelle nebbie che avvolgono gli sfondi e guardano all’oceano. Credi che questo discrimine prettamente formale nasca dalla tua formazione pittorica, o il tuo modo di concepire gli spazi ha una diversa origine?

Mi sono posto molte volte questa domanda e ritengo sia effettivamente così. Infatti una frase famosa di Ansel Adams dice: “Tu non fai una fotografia solo con la macchina fotografica. Tu metti nella fotografia tutte le immagini che hai visto, i libri che hai letto, la musica che hai ascoltato e le persone che hai amato”. Ecco, racchiusa in questa frase, l’essenza anche del mio pensiero, e quindi è inevitabile che quando inquadri e decidi di fissare proprio quella parte di mondo che in quel momento ti ha colpito e senti tuo, tutto ciò vada ad attingere dal tuo mondo inconscio e conscio che negli anni ha accumulato le tue visioni. Ritengo poi che la composizione sia l’elemento principe nella fotografia, quello che ti permette di creare in un piccolo frammento del tuo sguardo un mondo intero, un racconto, una storia. Per me, la fotografia non deve rappresentare ogni cosa, anzi: si deve togliere il più possibile, lasciando solo pochi elementi sparsi che possano essere carpiti e interpretati dall’osservatore, in modo che egli possa costruire il “suo” racconto e completarlo con il proprio vissuto, filtrandolo con le sue emozioni e con il suo sguardo interiore.

Tu hai studiato disegno e pittura, ti sei interessato molto alla poesia, hai montato delle clip dei tuoi lavori sulle note di Chet Baker e altri standard jazz, e le tue foto di Coney Island sono edite accompagnate dai racconti della scrittrice Tania Piazza. Contaminazione e ibridazione tra le forme d’arte rappresentano motivi imprescindibili della tua ricerca?

Assolutamente sì: ritengo che questa miscellanea di generi sia indispensabile. Non amo gli steccati, gli orticelli, come non apprezzo questo ormai imperante obbligo di definire per forza il genere fotografico a cui si appartiene. Ecco quindi che la musica, l’arte, la poesia e la letteratura sono componenti imprescindibili al mio modo di operare: è da lì che io traggo le mie ispirazioni per le fotografie, è in quell’insieme di stimoli che arrivano poi i miei progetti, naturalmente contaminati dall’ambiente in cui mi trovo in quel momento e dalla persone che vi abitano. La mia ispirazione si alimenta grazie a queste arti, senza le quali ritengo saremmo tutti più aridi e infelici. Il jazz accompagna spesso i miei racconti fotografici, credo sia il genere che meglio li sposi; tuttavia, non disdegno tutti gli altri, compreso il rap, che mi piace molto in questo momento, in particolare quello italiano e di bravissimi rapper soprattutto immigrati (Ghali, Maruego, Amir, Kuti, per esempio). Mi piace ascoltare la musicalità e in particolare analizzare la semantica del loro linguaggio di stranieri italiani, che racconta storie e, attraverso le parole, ci permette di conoscere i loro pensieri. Ho in mente un progetto fotografico molto ambizioso a riguardo e spero di realizzarlo.
Inoltre, inizierò a breve il Masterclass Pro-Photographer di Paolo Marchetti, pluripremiato fotografo internazionale, per apprendere i metodi del reportage e applicarli anche in progetti fotografici con alcune O.N.G. Internazionali con le quali sto già programmando alcune iniziative.
Con Tania invece è nata per caso una collaborazione e un’amicizia, a lei sono piaciute le mie foto e a me la sua scrittura; senza alcuna programmazione, quando vedeva qualche mio scatto che le raccontava una storia, iniziava a scriverla: ecco quindi “Just smile”, ispirato ad alcune foto di The Face o “Infinità” ispirata a una foto di Coney Island, e molte altre fino ad arrivare a un libro con 28 racconti e altrettante scatti in corso di pubblicazione (con una casa editrice di Bergamo); il titolo sarà “L’anima fotografata” e a breve inizieremo a presentarlo.

Soffermiamoci su un’altra nota stilistica della tua opera. Tu hai lavorato molto in bianco e nero, ma in “Coney Island” non sono ragioni prettamente cromatiche a determinare il senso di sospensione delle tue atmosfere; basti pensare alla Coney Island di Bruce Gilden degli anni ’70/’80, interamente rappresentata in bianco e nero, ma ben più estiva, caotica e antropocentrica. Nella tua personale idea di fotografia, il bianco e nero è causa o conseguenza?

Bruce Gilden ha fotografato in bianco e nero e negli anni 70 quello che di fatto sta ancor facendo oggi a colori: visi grotteschi in primo piano, corpi sformati, scene di vita esasperate dal suo taglio personalissimo e unico. Il suo bianco nero non aggiunge né toglie nulla alle sue immagini già “cariche” e “piene”.
Il mio racconto è del tutto diverso: non ci sono primi piani, ma panoramiche, visioni che si allontanano rispetto a inquadrature “strette”. Il mio è un racconto lieve, leggero, quasi impalpabile: il bianco e nero è il naturale “colore” a descrivere tutto ciò, con delicatezza, in maniera poetica e, in questo caso, quasi privo di contrasti. Mi piace l’idea che la sensazione, osservando i miei scatti, sia quella di foto d’antan, un raccontare la contemporaneità con uno stile retrò. Riprendendo una raccolta di poesie di Ferlinghetti, mi piace definire la “mia” Coney Island “il luna park dell’anima”.

“Il bianco e nero racconta il mio mondo interiore, le emozioni e i sentimenti più profondi […] ricco di contrasti, aspro, riflette a pieno il mio carattere solitario”. So che queste parole di Daidō Moriyama ti hanno molto colpito e ispirato, e credo che quest’idea di solitudine sia un’assoluta protagonista di un’altra tua serie newyorkese: “The Face(s) of NYC”. Qui ti sei direttamente misurato con la street photography in bianco e nero – di cui Moriyama stesso è maestro – ed hai efficacemente ritratto il senso di incomunicabilità. Di quella folla cosmopolita e solitaria che popola New York. Quale è stato il tuo approccio ai soggetti? Hai eliso o ricercato l’interazione con loro?

Mi piace molto questa definizione di Moriyama, ma non posso definire il mio carattere solitario; al contrario, mi sento molto socievole, anche se a volte amo fuggire dalla folla e in quel momento ciò che preferisco per eccellenza è fotografare. Non amo infatti condividere il tempo dedicato alla fotografia con altre persone; quando sono solo, quando sento quell’armonia che mi pone in equilibrio con quanto mi sta intorno, la creatività si manifesta in maniera prepotente e percepisco una sensazione che mi avvolge completamente. Il progetto The Face è nato per caso: mi spostavo dal Queens, dove alloggiavo, a Manhattan, e tutti i giorni facevo il pendolare mescolandomi alle persone. Ho cominciato a scattare perché le immagini mi sono venute incontro, mi catturavano e non potevo non fissarle e ciò è molto diverse dall’allontanamento che caratterizza Coney Island. Qui abbiamo un avvicinamento, un faccia a faccia: la macchina appoggiata al petto per non farmi notare e scattavo, passando inosservato, potendo cogliere così le persone nella loro naturalezza, senza forzature o travisamenti che ne avrebbero modificato le espressioni. Ecco forse il perché di questo senso d’incomunicabilità che tu hai captato, uno spontaneo distacco di chi quotidianamente si trova a ripetere gli stessi riti e le stesse abitudini.
Mi sono sentito parte di loro, ho cercato di capire, ho tentato di mettermi in sintonia con le loro abitudini, ho scrutato espressioni cercando di fissarle, riportando a casa quel momentaneo “vissuto” insieme.

Come ultima battuta cercherei una liaison tra queste tue due serie newyorkesi. Vorrei chiederti quale credi sia il rapporto tra loro, e se l’alienazione e il senso di isolamento siano comuni denominatori che obliterano le differenze tra la prossimità fisica, nel caso di “The Face(s) of NYC”, e la distanza dai soggetti, nel caso invece di Coney Island.


Le due serie sembrano essere state prodotte in tempi diversi, invece sono state scattate la stessa settimana di dicembre del 2015 ma con stili differenti: Coney Island con panoramiche e lontananze, figure appena abbozzate, a volte perse tra la nebbia, mai ravvicinate, come sospese in un paesaggio surreale, onirico. The Face, all’opposto, con figure ravvicinate, quasi in primo piano, a volte appena contestualizzate. Sono linguaggi diversi, ma accomunati dallo stesso senso di smarrimento, anche se la solitudine di Coney Island sembra benefica, ricercata come un toccasana, per armonizzarsi con se stessi e la natura d’intorno.
The Face presenta invece una solitudine più profonda, di smarrimento, una solitudine urbana , fatta di indifferenza, di distacco emotivo, pur nella vicinanza con gli altri, come abitanti di microcosmi autonomi e indipendenti. Uno stare con gli altri ed essere altrove. Una vicinanza fisica e una lontananza mentale.
Ecco allora che il fotografo decide in quel momento cosa rappresentare, sono sue le interpretazioni, sue le personalissime scelte di raccontare proprio quello: tutto è funzionale alla sua narrazione e al taglio che vuole dare alle immagini.
Le foto quindi raccontano storie e mondi altrui, ma nel profondo è la tua storia che stai raccontando e il tuo svelarsi che si compie.

WITNESS JOURNAL : L'INTERVISTA

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La strada

date » 21-08-2017 20:24

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La strada come luogo e momento di incontro tra artisti giovani e bambini. L'attesa di questi ultimi di ricevere le suggestioni musicali, il bisogno di riposare e di chiacchierare degli artisti. In questo scatto ogni soggetto è ripreso nel suo interagire con il vicino, i bambini sono spettatori ideali e proseguono l'opera iniziata dall'autore dello scatto di mettere a fuoco l'anima di quell'istante, di quel luogo, di una stagione dove incontrarsi significa anche questo: ascoltarsi a vicenda, produrre una musica che unisca e renda partecipi tutti di uno spazio ideale, quello della socializzazione umana, che la strada incarna e sublima al massimo grado. Complimenti Ivano Mercanzin, sai come far parlare una città, un angolo di mondo, una via,, la gente che la vive e la abita. In bianco e nero tu ci restituisci tutti i colori di un'umanità che mostra e respira il meglio di se stessa. Ammiro profondamente questa tua capacità!
(Paola Palmaroli)

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RACCONTO: A spasso per Venezia

date » 16-10-2016 21:59

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Si chiama Giacomo, come mio nonno, che non ho mai conosciuto. Mi chiedo spesso come si possa definire – mia – una persona con la quale non si è mai parlato. Nessuno scambio di opinioni, nessuna condivisione di tratti di vita. Niente che faccia sì che circoli nel mio mondo. Eppure, Giacomo era Mio nonno. Così mi hanno detto. E questo signore che mi guarda con l’anima in mano si chiama come lui, me lo sento. Ci stiamo scambiando uno sguardo, in effetti, anche se io sto al di qua di una cornice e lui ci vive dentro… quindi la condivisione c’è. E forse, a volte, è molto di più di quello che succede tra compagni di vita. Le mie coinquiline, per esempio. Viviamo un sacco di cose, insieme. Il lavarsi i denti alla mattina. Lo spazio ristretto del cucinino. Il divano raffazzonato. I programmi alla tivù. Ma chi, chi di loro mi ha mai guardato in questo modo? Eh sì, caro Giacomo, il tuo sguardo mi è penetrato a fondo, mentre davo un’occhiata veloce a tutte le opere di questa esposizione. Temo che da questo momento tu sia la persona con la quale ho condiviso più cose. Anche le tue dita non se ne stanno zitte. E forse le sentono anche i due tipi seduti poco più avanti. Lui ti guarda da sotto i suoi occhiali scuri, lei invece non ne ha il coraggio, forse. Oppure, semplicemente, non sente ciò che sento io. Non è musica, ciò che esce dalla tua fisarmonica. Anche perchè hai smesso di suonare, da quando ti sto a guardare. E’ vita, la tua. Immagino i campi che ti hanno segnato quelle dita, e l’alzarsi presto alla mattina, quando il resto del mondo ancora dormiva. Il prendersi addosso il freddo, quello che tagliava. E la pioggia, quella che ti faceva affogare dentro. E alla fine delle ore di ogni giorno, quando la schiena non pareva più appartenerti, il sedersi, finalmente, su quella seggiolina di plastica bianca, proprio come questa. Nell’angolo della cucina che guardava fuori, perché almeno le tue note potessero andarsene. Tu e la tua fisarmonica. Una purga. Un rendere grazie a quel Dio che ti faceva bestemmiare, di giorno, ma che ti ricompensava, la sera. Grazie, mio Signore, per la gioia che mi danno tutti i nuovi giorni. Sono io, che non capisco, povero contadino. Mi sento stanco dentro, quando abbasso la schiena sui piselli che devo curare, quando lego le viti per farle crescere meglio, quando zappo la mia terra scura per creare nuovi spazi. Ma so che poi, a sera, ogni sera, riesco a renderti grazie, perché tutti i gesti che compio ogni giorno guardano a domani. E così, so che tu mi vuoi tenere qui ancora, per questo.
Ora, osservandoti, sono io che ringrazio te, contadino Giacomo. I tuoi occhi mi hanno fatto pensare a ciò che costruiamo, a ogni ora. Rivedo il cucinotto con le ante sbiadite, il divano raffazzonato, lavato e rilavato inutilmente. Penso che anche loro, a modo loro, parlino la tua stessa lingua. Quella del domani che verrà, dell’esserci oggi, per costruire un giorno nuovo. Il mio sguardo molla per un attimo il tuo, e cade a terra, dove la tua ombra enorme si è stesa comoda, sugli scalini. Sembri così piccino, al suo confronto. Ma lei, lei ha capito tutto. La tua proiezione a terra parla, come i tuoi occhi e le tue mani. Sei grande, Giacomo. Vorrei, un giorno, poter avere un’ombra come la tua.
(racconto di Tania Piazza)

foto a colori: mostra di Ivano Mercanzin - Venezia visioni e illusioni - Villa Cordellina - Montecchio Maggiore (VI)
foto in bianco e nero: Venezia - Il suonatore di fisarmonica - di Ivano Mercanzin

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NYC

date » 16-07-2016 08:33

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NYC
2015©Ivano Mercanzin

Felice di poter leggere un tuo scatto che parla della complessa e meravigliosa realtà della città di New York, una metropoli moderna che tu hai qui rappresentato come accadeva di scorgere esclusivamente in certi dipinti di Edward Hopper, in fotografie degli anni trenta e quaranta del secolo scorso dove la solitudine urbana veniva declinata da un'altrettanta malinconia verso le costruzioni più modeste di quartieri dove vivere era una parola grossa, sopravvivere la realtà quotidiana e contingente. Mi piace la presenza della figura umana, che si sta riscaldando al sole, le ombre accanto a lei sono superbe. Quel che ammiro in modo particolare è la finestra sulla sinistra con la veneziana abbassata ma non chiusa che permette di scorgere il suo interno, Quel raggio di sole che la illumina mentre l'ombra sta difendendo il suo spazio con i denti ed i mattoni che compongono la facciata ci danno un senso della composizione che in questo scatto è magia pura. Il palazzo distante di cui vediamo gli ultimi piani ed il tetto. le linee geometriche e la fuga prospettica che hai valorizzato con questo taglio, ci fa ammirare la bellezza di un'immagine che il bianco e nero accarezza con la sua severa tenerezza mentre il tuo sguardo, l'obiettivo che hai incastonato in questa immagine, ci lasciano ammirati e disarmati dalla tua bravura, da come hai guardato alla figura umana ed alla città stessa. Sai rendere una fotografia di street emozionante amico mio...
Paola Palmaro


NEW YORK GROOVE

date » 03-06-2016 19:58

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Un angolo che la metropoli rende un piccolo paese circondato dai grattacieli, un pezzo di mondo che la cinematografia e la letteratura hanno trasformato in un pezzo di eden in terra, con le sue piccole e grandi idiosincrasie. In autunno deve essere straordinario questo quartiere, la tua foto in bianco e nero ne restituisce l'intimità, le ombre ed i raggi del sole sul marciapiede e sulle mura delle case un incontro a lungo atteso e finalmente avvenuto. Una scena di street che incanta grazie per averci regalato un angolo di mondo così lontano eppure così vicino grazie a tutti coloro che l'hanno visitato come hai fatto tu e che l'hanno descritto in mille modi diversi, facendoci innamorare perfino delle sue foglie cadute sull'asfalto od in attesa di crescere.
Paola Palmaro

Molto bella, ci passa il tempo frammentato e "liquido", "puntinista" (Bauman), con le esistenze che corrono, si sfiorano o si incrociano, anche se sono altrove, chiuse nei loro microcosmi; c'è la natura incapsulata e viva nella città frenetica e pulsante. C'è una poetica che ha la nettezza e la misura, la compostezza e l'eleganza sobria di un classicismo stilistico moderno. Un ottimo racconto umano...
Luciano Benini Sforza

MURANO 2016 1

date » 03-06-2016 19:45

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MURANO
2016©Ivano Mercanzin

Rendere in bianco e nero la bellezza di un'atmosfera in un'isola che è impregnata di colori come poche altre al mondo è quel che fa la differenza tra una fotografia ed una narrazione fotografica cui tu ci hai abituato restituendoci il vissuto di chi guarda e non solo la bellezza di ciò che osserva. Le case ed i laboratori sono affiancati le une agli altri, il cielo qui è concentrato di nuvole e di vento, sembra che da un momento all'altro su ogni cosa, come in una fiaba, scivolerà il colore dei vetri colorati attraversati dalla luce del sole, che un incantesimo si stia per spezzare restituendoci la grazia e la gioia di tanti pezzi coloratissimi di vetro trasparente, un impasto che il bianco e nero cela e protegge per poi rivelarcelo in un secondo tempo, Tutti paiono dormire, riposare, le botteghe chiuse, c'è un'aspettativa magica nel tuo scatto che io trovo incantevole. Stupenda atmosfera.
Paola Palmaro

Davvero bella, davvero suggestiva; ottima composizione, molto equilibrata ed efficace nell'armonia dei pieni e dei vuoti, degli elementi solidi e di quelli liquidi o più leggeri, nel bilanciamento della staticità con la mobilità dinamica della fuga prospettica...Una musica visiva ben realizzata, ricca di spunti armonizzati in modo sapiente, tutta da ascoltare e vedere con vero piacere...Ivano!
Luciano Benini Sforza

L'URLO

date » 26-03-2016 19:32

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NYC - 2015© Ivano Mercanzin
NYC
2015©IvanoMercanzin

E' da un pò che osservo i tuoi lavori e devo dire che mi hanno preso l'attenzione da subito. Innanzitutto il tuo bianconero, questo bianco e nero quasi esasperato, a volte disperato, usato con forza e poesia, indubbia poesia ma usato soprattutto per mostrare le tracce e gli alfabeti del tempo e dell'esistenza. Il tuo bianconero incide e a volte graffia svelando i segreti e i particolari esistenziali e materici delle cose ma anche quelli spirituali. Mi colpisce la grafica che ritrai e valorizzi che, come in questo caso gioca in primo piano un ruolo decisivo. Una scena piatta di una via d'una grande città, una vetrina specchio che riflette il movimento umano comunque minimo e poi la grande insegna a muro che risucchia l'attenzione e crea dinamismo surreale alla foto, alla vita di questa foto, alla vita che viene ritratta e riflessa in questa immagine puntata nella grande vetrata, Scenario umano di passi in un marciapiedi che guida o che disperde e smarrisce chi lo frequenta interpretando i percorsi urbani forse come un dedalo che confonde la vita mentre dall'alto della vetrina c'è un urlo che continua. Molto bella.
(Franco Gobbetti)

Davvero bella, davvero di spessore: un racconto che si snoda su più piani, superfici, tempi e segni, un intreccio di storie e di storia che si fa presente, una simultaneità stratificata, "liquida" (Bauman) e momentanea, fluida, molteplice e casuale come una libera intersezione nello spazio-tempo che viviamo...
(Luciano Benini Sforza)

sonata per panchina e lampione

date » 27-05-2015 19:55

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Bellissima scena, un momento della notte che la luce artificiale sta rendendo struggente come non mai, la presenza della panchina, la vegetazione, quel silenzio che si percepisce essere un valore aggiunto che tu hai saputo ben tratteggiare con un bianco e nero superbo e pregno di un'armonia che si respira, tutto confluisce nel tuo sguardo ed in quell'angolo di mondo che spesso cerchiamo ma che è esso stesso a trovarci, quando siamo pronti a coglierlo in tutta la sua bellezza e verità! Ci sono luoghi e momenti che emanano un incanto rotto solo dal nostro stupore di averlo incontrato e di star per viverlo fino ad essere parte di quel tutto che ci ammalia e ci fa felici, Felicità qui sembra fin una parola grossa ma è così a volte, non c'è bisogno di chissà che cosa per esserlo, spesso quel confine sottile tra stupore e felicità è superato dalla consapevolezza di essere nel posto giusto al momento giusto. Consapevolezza estrema di vivere un momento unico, irripetibile, complice il suono del silenzio e la dolcezza che si prova a vivere quel che si sta guardando con ogni parte di noi stessi! Stupenda visione amico mio, una delle più belle proposte di cui ci hai fatto dono! Il paragone con altri fotografi famosi vien spontaneo ma a ben guardare qui, in questo scatto, ci sei solo tu, esclusivamente la tua sensibilità, ogni rimando appare prezioso ma alla fine si sente solo il tuo di sguardo!
Paola Palmaroli
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